1945-1975 : tout au long de cette période dite Les Trente Glorieuses, la création de mobilier se modifie profondément tant dans les formes que dans les matériaux. Suivant l'évolution du mode de vie, cette révolution s'accompagne d'une démocratisation de la production grâce au mobilier  de série et à la création de nouveaux circuits de distribution.

Fonctionnalisme et rigueur soufflent sur la production de mobilier des années 1950. Le rangement devient la grande préoccupation de l'époque. Pour répondre aux besoins de l'équipement, il s'industrialise. On voit l'apparition de meubles transformables et multifonctions à monter soi-même. Le métal et les panneaux de particules remplacent les bâtis de bois traditionnels, les polymères et les dérivés du bois comme le contreplaqué ou le mélaminé habillent les formes nouvelles, les mousses et le PVC vont jusqu'à faire disparaître toutes les structures du siège...

Les bahuts sont suspendus ou étirés en longueur, la table basse fait son apparition au centre du salon, les luminaires sont revus dans leurs formes et leurs fonctions : articulés et privilégiant la réflexion de la lumière.

Du rationalisme de l'après guerre à l'utopie des années 1970 Au milieu des années 1960, cette vision minimale du mobilier s'estompe au profit d'une vision plus hédoniste, voire impertinente. Lignes fluides et souples, couleurs et transparences, chassent l'orthogonalité, le blanc et le bois naturel. On achète moins de tables et de bahuts, on préfère les sièges dans lesquels on s'allonge.

Les créations les plus originales naissent d'une nouvelle équation en phase avec l'esprit de mai 1968, liberté et confort. Placés au centre de la pièce, les sièges délimitent un nouvel espace: l'aire du living room. Dans le même temps apparaît le meuble en carton ou gonflable. Le plastique, ce matériau emblématique du début des années 1970, offre une variété infinie de formes et de couleurs.

Edition - diffusion: vers la démocratisation du design La création est stimulée par les éditeurs d'avant garde que sont alors Roset, Steiner, Airborne pour les sièges ; Meubles TV, Huchers Minvielle, Charron, pour les meubles ; Luminalite, Disderot pour les luminaires. L'accès à ce nouveau type de mobilier passe par l'ouverture de magasins et le développement d'un réseau de distribution tant à Paris qu'en province. Une grande attention est portée à la présentation des vitrines qui suscitent surprise et intérêt, prenant valeur de manifeste. Les grands magasins suivent: parmi eux Prisunic s'est montré le plus innovant en lançant la vente de mobilier de créateurs sur catalogues.

En savoir plus... = information technique historique glané, au fil de mes lecture, dans les dossiers de presse, la plaquette de l'expo ou les magazines d'art.

Nancy Spero a été l'une des plus grandes figures féminines de l'art américain. Artiste indépendante et engagée, elle pris part aux plus importants combats politiques, sociaux et culturels de son temps.  Elle était la femme de l'artiste américain Leon Golub (1922-2004). Née en 1926 à Cleveland, elle grandit à Chicago et sort diplômée en 1949 de l'Art Institute de la ville. Au début des années 1960, la jeune femme s'est installée à Paris pour suivre les cours d'André Lhote à l'Ecole des Beaux-Arts.

A son retour aux États-Unis en 1964, elle va militer contre la guerre du Vietnam. C'est à travers son oeuvre qu'elle va dénoncer l'engagement militaire américain, notamment avec sa «Série de la guerre» (War Series) réalisée entre 1966 et 1970. A la même période, elle va également embrasser la cause féministe, en rejoignant le groupe WAR (Women artists in Revolution). En 1972, elle est l'une des fondatrices de la galerie coopérative AIR (Artists in Residence), consacrée à la défense des femmes artistes.

A partir du milieu des années 70, l'oeuvre de Nancy va porter autour de la représentation féminine, tour à tour glorifiée ou torturée, comme dans «Torture in Chile» (1974), ou encore «Torture of Women» (1976).

Elle connaît la reconnaissance à partir des années 80-90, aux Etats-Unis. En 1988, elle expose ses œuvres au MOCA de Los Angeles, et en 1992 au MoMA de New York. En 2006, elle devient membre de l'Académie américaine des Arts et des Lettres. En 2007, elle est sélectionnée par Robert Storr pour le Pavillon international de la Biennale de Venise. La même année, c'est le Frac Haute-Normandie, qui lui consacre une exposition autour d'Antonin Artaud. La dernière grande exposition qui lui est consacrée de son vivant, «Dissidances», s'est tenue en Espagne en 2008.