En savoir plus... = information technique historique glané, au fil de mes lecture, dans les dossiers de presse, la plaquette de l'expo ou les magazines d'art.

Anish Kapoor, né à Bombay en 1954, est un plasticien (principalement sculpteur). Depuis 1972 il vit en Grande Bretagne. Il a fait ses études d’abord au Hornsey College of Art, puis à la Chelsea School of Art Design. Actuellement il travaille à Londres, bien qu’il retourne fréquemment en Inde. Il est reconnu pour ses créations inspirées à la fois de la culture occidentale et de ses origines orientales. Parmi ses influences diverses, on peut citer : Mantegna, Joseph Beuys, Barnett Newman et Yves Klein. Anish Kapoor a été élu membre de la Royal Academy en 1999.

Au début des années 1980, Kapoor s'est révélé comme l'un des nombreux sculpteurs britanniques adoptant un nouveau style et gagnant une reconnaissance sur la scène internationale. On peut également citer dans le même mouvement Richard Wentworth, Tony Cragg, Richard Deacon, Anthony Gormley et Bill Woodrow. Les œuvres de Kapoor sont généralement simples, de formes incurvées, monochromatiques et de couleurs intenses. Le plus souvent, l'intention de l'artiste est de susciter chez le spectateur l'intérêt pour son travail sur de mystérieuses cavités sombres, étonnantes par leur taille et leur beauté épurée, tactiles, et fascinantes en raison de la réflexion de leurs surfaces. Ses premières œuvres étaient recouvertes, en totalité et sur le sol environnant, de poudres de pigments divers. Cette pratique était inspirée de son Inde natale où Kapoor voyait des tas d'épices colorées sur les marchés et les temples. Ses travaux ultérieurs s'intéressent à de massives pierres issues de carrières, et jouant avec la dualité terre-ciel, matière-esprit, lumière-obscurité, visible-invisible, conscient-inconscient, mâle-femelle et corps-âme. Ces travaux récents sont basés sur des surfaces réfléchissantes et miroirs, renvoyant au spectateur une image déformée de lui-même et de l'environnement.

Depuis la fin des années 1990, Kapoor a produit un grand nombre d'œuvres gigantesques comme Taratantara (1999), une pièce de 35 mètres de longueur installée dans le Baltic Centre des Arts Contemporaines à Gateshead en Angleterre, et Marsyas (2002) une œuvre d'acier et de PVC installée dans la salle des turbines de la Tate Modern. Une arche de pierre de Kapoor est en résidence permanente sur les rives du lac de Lodingen dans le nord de la Norvège. En 2000, une des œuvres de Kapoor, Parabolic Waters, consistant en une roue d'eaux colorées tournant rapidement a été exposée en dehors du Dôme du millénaire de Londres. En 2001, Sky Mirror, un large miroir reflétant le ciel et les alentours a été commandé par la ville de Nottingham. En 2004, Cloud Gate, une sculpture d'acier inoxydable d'environ 100 tonnes a été inaugurée au Millennium Park de Chicago.

À l'automne 2006, un autre vaste miroir, version plus grande du Sky Mirror, a été installé au Rockefeller Center à New York. Un mémorial conçu par Kapoor et dédié aux victimes britanniques du 11 septembre 2001 devrait être bientôt installé à New York. Les travaux d'Anish Kapoor sont de plus en plus à la frontière entre l'art et l'architecture comme le montre son investissement dans l'élaboration du design d'une station du métro de Naples en Italie. Kapoor collabore également avec des artistes du spectacle vivant, tels que le danseur contemporain Akram Khan pour lequel il a réalisé les décors de quelques chorégraphies.

 

Centrée sur la période parisienne de l'artiste, l’exposition rassemble environ 90 peintures, dessins et un ensemble de céramiques, de 1895 au début des années trente. Les multiples facettes du personnage sont ici restituées :  peintre hollandais prompt à la caricature et à la dénonciation sociale, artiste d’avant-garde et figure du fauvisme, devenu une des grandes figures de la scène parisienne des années folles.

L'exposition témoigne du succès de l’artiste : les recherches et les expositions récentes sur le personnage, fulgurant dans ses trouvailles et déroutant par la diversité de ses sujets, ont permis de mieux comprendre l’ampleur des découvertes de l’artiste et sa stratégie artistique.

Le titre Fauve, anarchiste et mondain évoque moins une succession de périodes qu’une superposition de postures artistiques : hollandais rebelle proche des milieux anarchistes autour de 1895, prompt à la caricature et la dénonciation sociale, artiste d’avant-garde notamment du fauvisme, dans lequel il occupe une place originale et un rôle décisif quant à sa diffusion à l’étranger (Hollande, Allemagne, Russie). Fauve « urbain », Kees Van Dongen se focalise sur le corps féminin, en particulier le visage fardé jusqu’à la déformation par la lumière électrique empruntée à Degas et Toulouse-Lautrec, devenant en quelque sorte sa griffe.

Par la couleur, Van Dongen reste l’artificier du fauvisme. Il la régénère lors de ses voyages au Maroc, en Espagne et en Egypte au début des années 1910 où il réinvente l’Orient. Mais Paris reste le sujet principal de sa peinture : Montmartre – il y rencontre Picasso et Derain - au début du siècle, qui le séduit par la verve populaire et la vie de bohème ; Montparnasse, avant et après la guerre de 1914 dont il est l’un des principaux animateurs, mettant en scène une nouvelle femme à connotation plus érotique. Et enfin, le Paris des « années folles » que Van Dongen qualifie de « période cocktail », où il se consacre exclusivement à la nouvelle élite parisienne : hommes et femmes de lettres, stars du cinéma et de la scène, aujourd’hui oubliés, annonçant avec quarante ans d’avance l’univers des « beautiful people » d’Andy Warhol. La pose est outrée, le costume et l’accessoire théâtralisés révélant le factice de ses personnalités qui n’existent qu’à travers leur rôle.

Le succès de Van Dongen qu’on peut comparer à celui d’un Foujita et sa participation aux avant-gardes en font un artiste singulier, qui fascine encore par sa verve et sa liberté.

Kees Van Dongen, de son vrai nom Cornelis Théodorus Marie van Dongen est un peintre néerlandais né le 26 janvier 1877 à Delfshaven, dans la banlieue de Rotterdam (Pays-Bas) et mort, à l'âge de 91 ans, le 28 mai 1968 à Monaco.

En 1892, à l’âge de 16 ans, Kees van Dongen débute des études en peinture à l’Académie royale des beaux-arts de Rotterdam. De 1892 à 1897, il fréquente le Quartier Rouge portuaire. Durant cette période, van Dongen peint des scènes de matelots et de prostituées. En 1897, il habite à Paris pour plusieurs mois. Il y retourne en décembre 1899 pour rejoindre Augusta Preitinger (Guus), qu’il avait rencontrée à l’Académie. Ils se marient le 11 juillet 1901. Bientôt, il commence à exposer ses œuvres à Paris, notamment l’exposition controversée de 1905 du Salon d'Automne, où exposait également, entre autres, Henri Matisse. Les couleurs vives de leurs œuvres seront à l’origine du nom de ce groupe de peintres : les Fauves.

Van Dongen se signale comme « “illustrateur d'inspiration anarchiste”, avant d'intégrer les milieux d'avant-garde et de prendre part à l'aventure du Fauvisme (...) fauve urbain et sulfureux qui privilégie les portraits, les femmes, les scènes de cabaret, les spectacles forains (...), les sujets exotiques et orientalistes (...) bien introduit dans la haute société il devient, dans les années 1920-1930, le portraitiste du Tout-Paris, le “peintre des névroses élégantes” »[réf. souhaitée].

Il est décoré de la Légion d'honneur en 1922. Mais ce n'est qu'en 1928 qu'il obtient la nationalité française.

Il a aussi été brièvement membre du mouvement expressionniste allemand Die Brücke.

En octobre 1941, Van Dongen participe avec sept écrivains français au voyage politique organisé par Joseph Goebbels, ministre de la Propagande du Reich, dans l'Allemagne nazie, « ce qui lui vaudra une réputation ternie auprès de la critique moderne »

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Michal Batory est né à Lodz, en Pologne, en 1959. Il étudie à l’école des Beaux-Arts de Lodz et obtient un diplôme en design graphique, avec une spécialisation en affiche.
En 1987, il obtient une bourse et vient s’installer à Paris où il travaille dans une agence pendant quelques années. En 1994, il gagne un concours pour une exposition à la Cité des Sciences et de l’Industrie et devient indépendant.

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La Machine, entreprise qui a en charge la conception, la réalisation et la mise en oeuvre du Manège Carré Sénart, participe depuis plus de quinze ans à des événements artistiques de très grande envergure connus dans le monde entier.

Elle a, entre autres, conçu et réalisé les immenses sculptures mobiles de la Compagnie de rue Royal de Luxe : son géant, sa petite géante, sa grande girafe, son éléphant ont traversé plusieurs villes d’Europe, d’Afrique et d’Amérique du Sud. Elle a également déjà conçu et réalisé deux manèges : celui de l’enseigne Catimini qui porte dorénavant le nom de manège magique et le Manège d’Andréa qui tournent dans plusieurs métropoles européennes depuis plus de vingt ans.

Depuis 2005, François Delarozière et son équipe construisent pour Nantes Métropole / Samoa un équipement culturel et touristique unique rassemblant, sur les anciens chantiers navals, une dizaine de structures mécaniques monumentales accessibles au public.

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D’origine portoricaine et haïtienne, né en 1960 à Brooklyn dans l’Etat de New York et mort à New York en 1988 à la suite d’une overdose à l’âge de vingt-sept ans, Basquiat appartient à la génération des graffiteurs qui a brusquement émergé à New York à la fin des années 70. En 1977, il commence à signer ses graffitis du nom de SAMO (pour « Same Old Shit ») accompagné d’une couronne et du sigle du copyright. Au cours de sa fulgurante carrière, sa peinture passe de la rue au tableau.
L’activité de dessin est progressivement devenue naturelle, voir vitale. Dans ses graffitis tracés à main levée, le dessin malhabile des caractères joue le rôle d’une signature. Il est d’ailleurs difficile de distinguer dans sa pratique du dessin la figure, le symbole ou l’écriture, et il est de même parfois compliqué de tracer une nette distinction entre dessin et peinture.
Son univers mélange les mythologies sacrées du vaudou et de la Bible en même temps que la bande dessinée, la publicité et les médias, les héros afro-américains de la musique et de la boxe, et l’affirmation de sa négritude. Il définit ainsi une contre-culture urbaine, underground, violente et anarchique, pétrie de liberté et de vitalité. En 1982, Basquiat est invité à participer à la Documenta 7 de Kassel en Allemagne. L’année suivante, il est le plus jeune et premier artiste noir à exposer à la Biennale du Whitney Museum of American Art à New York.
À partir de 1984, il réalise en commun des peintures avec Andy Warhol jusqu’à la mort de ce dernier en 1987.S’étant toujours défini comme un peintre influencé par son environnement urbain quotidien, les racines de sa pratique «expressionniste primitiviste» sont à trouver du côté d’une peinture européenne d’après-guerre, celle de Jean Dubuffet, réfractaire à l’«asphyxiante culture» ou celle de Cobra, ainsi que du côté de la grande tradition américaine de Robert Rauschenberg à Cy Twombly. Après sa mort prématurée en 1988, il laisse une œuvre considérable habitée par la mort, le racisme et sa propre destinée. Sa vie brûlante et explosive, mêlant le star-système et la révolte, a inspiré en 1996 le film « Basquiat » du peintre et cinéaste Julian Schnabel. En 1984, le musée d’Art moderne de la Ville de Paris avait déjà présenté Jean-Michel Basquiat dans une exposition collective consacrée au mouvement de la Figuration Libre France/USA, aux côtés de Robert Combas, Hervé Di Rosa, Keith Haring.
Cette rétrospective composée d’une centaine d’œuvres majeures (peintures, dessins, objets) provenant de nombreux musées et de collections particulières américains et européens, permet de reconstituer le parcours chronologique de l’artiste et de mesurer son importance dans l’art et dans l’histoire de l’art au-delà des années 80.

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Dans une scénographie très aérée, les œuvres se succèdent mais ne se ressemblent pas, sinon par leur monumentalité commune. Pour la première fois en France, la Saatchi Gallery de Londres présente à Lille plus de soixante œuvres de sa collection d'art contemporain, rassemblées pour l'occasion en une exposition intitulée «La Route de la soie». L'événement a lieu au Tri Postal, du 20 octobre 2010 au 16 janvier 2011. Fondée par le célèbre publicitaire Charles Saatchi en 1985, la galerie est située depuis octobre 2008 au cœur du quartier de Chelsea à Londres, dans le bâtiment historique du «Duke of York's HQ». Mettant en avant le travail de jeunes artistes ainsi que des œuvres rarement montrées, la Saatchi Gallery a depuis de nombreuses années une influence majeure sur la scène artistique internationale. Depuis vingt-cinq ans, elle a montré le travail de plus de deux cents artistes. D'accès libre et gratuite, elle s'attache à faire découvrir l'art contemporain au plus grand nombre.

«La Route de la soie»: une référence à l'ancien réseau de routes commerciales, à cette passerelle économique entre l'Asie et l'Europe qui reliait notamment, depuis le IIè siècle avant J-C., la Chine et le Moyen-Orient, en cheminant par l'Inde. Trois territoires dont la création esthétique actuelle intéresse chaque jour un peu plus le monde de l'art, à l'échelle internationale.

L'exposition offre un large aperçu de cette production artistique récente à travers les peintures, sculptures, photographies et installations d'artistes chinois, indiens, iraniens, palestiniens, libanais, égyptiens, afghans ou encore pakistanais.

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1945-1975 : tout au long de cette période dite Les Trente Glorieuses, la création de mobilier se modifie profondément tant dans les formes que dans les matériaux. Suivant l'évolution du mode de vie, cette révolution s'accompagne d'une démocratisation de la production grâce au mobilier  de série et à la création de nouveaux circuits de distribution.

Fonctionnalisme et rigueur soufflent sur la production de mobilier des années 1950. Le rangement devient la grande préoccupation de l'époque. Pour répondre aux besoins de l'équipement, il s'industrialise. On voit l'apparition de meubles transformables et multifonctions à monter soi-même. Le métal et les panneaux de particules remplacent les bâtis de bois traditionnels, les polymères et les dérivés du bois comme le contreplaqué ou le mélaminé habillent les formes nouvelles, les mousses et le PVC vont jusqu'à faire disparaître toutes les structures du siège...

Les bahuts sont suspendus ou étirés en longueur, la table basse fait son apparition au centre du salon, les luminaires sont revus dans leurs formes et leurs fonctions : articulés et privilégiant la réflexion de la lumière.

Du rationalisme de l'après guerre à l'utopie des années 1970 Au milieu des années 1960, cette vision minimale du mobilier s'estompe au profit d'une vision plus hédoniste, voire impertinente. Lignes fluides et souples, couleurs et transparences, chassent l'orthogonalité, le blanc et le bois naturel. On achète moins de tables et de bahuts, on préfère les sièges dans lesquels on s'allonge.

Les créations les plus originales naissent d'une nouvelle équation en phase avec l'esprit de mai 1968, liberté et confort. Placés au centre de la pièce, les sièges délimitent un nouvel espace: l'aire du living room. Dans le même temps apparaît le meuble en carton ou gonflable. Le plastique, ce matériau emblématique du début des années 1970, offre une variété infinie de formes et de couleurs.

Edition - diffusion: vers la démocratisation du design La création est stimulée par les éditeurs d'avant garde que sont alors Roset, Steiner, Airborne pour les sièges ; Meubles TV, Huchers Minvielle, Charron, pour les meubles ; Luminalite, Disderot pour les luminaires. L'accès à ce nouveau type de mobilier passe par l'ouverture de magasins et le développement d'un réseau de distribution tant à Paris qu'en province. Une grande attention est portée à la présentation des vitrines qui suscitent surprise et intérêt, prenant valeur de manifeste. Les grands magasins suivent: parmi eux Prisunic s'est montré le plus innovant en lançant la vente de mobilier de créateurs sur catalogues.